用传统笔墨符号书写时代美感

　　“尚涛写意花鸟画展”研讨会在京召开 有专家认为尚涛是新中国美术教育较有说服力的成果 为今后中国画的发展提供了很好的案例 　

　　日前，“尚涛写意花鸟画展”在中国美术馆举行，并引起了强烈反响。尚涛先生是当代杰出的花鸟画家，他生于北京、长于北京而成于岭南，因此这次展览既是已逾古稀之年的尚氏对自己长达半个多世纪的艺术探索的阶段性总结，又是向故乡的一次汇报。展览期间，“尚涛写意花鸟画展”研讨会在京召开，来自美术界的多位专家学者对展览画作进行了全面剖析。下面我们就节选部分与会者的观点，以飨读者，并期望更多的书画爱好者能与气格高雅的尚涛大写意花鸟画产生共鸣。

　　专题文/图  吴聿立

　　融学养和书画于一体

　　孙克(中国美协中国画艺委会秘书长)：尚涛先生是在北京成长起来的画家，他在中央美院附中接受了非常好的基础教育，又在中央美院受到大师们的熏陶和引领。后来，他全身心致力于花鸟画创作，固执己见，一意孤行，终于自成一家——这得益于广东得天独厚的自然环境和人文基础。

　　另外，中央美院国画系教学向来都是要写魏碑、汉隶的，尚涛坚持下来了，因此书法对他的绘画影响很大。尚涛在书法领域中有高深的造诣。我对尚涛的书法印象非常深刻，也受过他的影响。尚涛是在文化修养和书法、绘画艺术互相促进、融合方面做得很好的画家。

　　举世无双的民族作品

　　金鸿钧(中央美术学院教授)：我觉得尚涛就是“一根筋”：他把从中央美院附中到中央美院吸收的师教的好东西融合起来，然后找到自己的道路，一直走下去，不迎合，不取媚，也不管别人怎么说。上世纪80年代我们搞了“半截子”美展，当时那个展览的前言是很悲观的，老师说我们这帮人在胡搞；现在尚涛走出来了，不是“半截子”的感觉，我们感到很欣慰。

　　另外，我觉着徐悲鸿先生提倡的新中国美术教育比较有说服力的成果就是尚涛。得益于新中国美术教育的尚涛的作品不是老师的，也不是古人的，更不是西方的，而是我们民族的，是现代的；当然还有画家自己的特色，有中国的特色，有岭南的特色，是独一无二的——不仅在全国，而且在世界也是独一无二的。所以，我们应该好好研究、总结尚涛的画。美院将来应该培养更多这样的画家。

　　尚涛的画越大越好看

　　庞媛(清华大学美术学院教授)：尚涛外露平和，内心却非常倔强。他一意孤行，独辟蹊径，一条路走到黑，现在确实走出来了。我觉得尚涛把传统、现代的甚至装饰性的东西都放到一起，形成了自己浑厚的风格：装饰性的东西是平面的，有很多剪影效果；现代性体现在虚空间处理得非常犀利，带几何性。

　　另外，尚涛的画是越大越好看。尚涛适合画大画，越大越好，越大视觉冲击力越强。我希望尚涛在精力充沛时多画一些大画，然后再用自己的语言表现松动，不用听别人的。

　　潘天寿尚涛推进了传统笔墨

　　林若熹(中国艺术研究院教授、博士生导师)：我觉得近现代有两个人推进了传统笔墨：一位是潘天寿先生，他的笔墨侧重于笔，在笔的构成中有一个推进。这里有一个概念要澄清，就是很多人一提到装饰就有“谈虎色变”。要知道，工艺的装饰是从既定的图案做的，而绘画、美术创作的装饰，则是理性的推敲达到了极致后打造的装饰性，所以这两个装饰是不同的。这么一来，我们就好理解为什么潘天寿在理性推敲上达到极致了；另一位就是尚涛老师，他对笔墨的推进侧重于墨。岭南画派的工具材料导致了中国画的一场革命。尚涛老师有笔力的革命，但是有一点和岭南画派不一样的，就是他在笔意方面进行了现代探索，包括肌理、墨色、皴擦等，这些对中国现代水墨来说都是非常重要的因素。脱掉尚涛老师传统笔意的外衣后，我们不难发现他的肌理形式完全是现代语言。

　　使用墨象能出彩实为难得

　　李劲堃(岭南画派纪念馆副馆长)：尚老师一直以来在广东深受尊敬。近二十多年来，尚涛老师以沉稳的学养形成了自己的绘画风格，也给我们带来了以下启示：

　　一是他在技法上的墨象处理。他使用墨象能够出彩——出现图形，出现一种让人联想到纸面上的分割。在我们所见的历代花鸟画家中，这种案例的画家不算太多，只有金农等几个画家在绘画平面上能够考虑到美感的成立。所以，我感到他整个画面的感觉非常有意思，也很受启发；

　　二是尚涛老师的绘画风格。在南方水墨画画坛上，他起到很好的启示作用，也就是用传统的笔墨符号，去书写一种时代美感；

　　再就是他在自己的图式里面能够从容地对一件作品进行反复锤炼，就是即兴和锤炼，而锤炼的结果形成了一种有把握的实施感受。我认为这为今后中国画的发展会提供了一个很好的案例。

　　画面刚重平正因巧而拙

　　罗世平(中央美术学院教授)：首先，尚涛的画气象是刚重平正的。他用墨很厚实，形和笔线都很粗重，但不是狂放的，不是张扬的，不是外露的，有很平正的气在里面。可见，尚涛有非常成熟的控制能力，又有很平正的心，所以画面给人的感觉不是很火爆，而是很淳厚。他的画非常好，很有深度。

　　其次，尚涛的画外表是拙的，但是实际是很巧的。他是因为巧而拙，在法度当中结构画面，如他的画面里面有很多小的讲究：黑、白和灰在里面的布排，小的点和大面之间的关系，线条粗重和粗细之间的搭配等，包括图章大小、位置都很讲究，不是完全靠感觉。

　　再次，古人讲“充实之为美”，而尚涛的画面是充实的。如果墨色不饱和，画面就达不到充实；形体不饱和，就没有张力，也达不到充实。现在，很多画家都想把张力突出来，其实都没有出来。笔墨的形态也好，造型的各种变化也好，无论方圆，只要做到了充实而有壮气，它就是美的，就一定会有雄强的感觉。尚涛先生的画充实感就特别强，而充实才是张力的表现——这正是中国美学的审美价值所在。而这样一个审美原则在尚涛先生的画中体现得非常充分，所以我很欣赏他的画。

　　符号化趣味人格化生灵

　　陈醉(中国艺术研究院研究员)：我简单地把尚涛先生的作品概括为符号化的趣味、响鼓重锤于浓墨、藏笔墨于范式和人格化的生灵四个方面：

　　首先，尚涛的画有某种符号化的味道，但又很有趣味。他把符号化放到趣味里面，也就是有意味的形式在作品里面出现，所以很感人。要想做到这点，画家需要花很大力气去提炼，需要高度的概括；

　　其次，就是响鼓重锤。尚涛的浓墨非常厚重，非常有力量，都是铁划银钩。浓墨一下来，整个画面的形式感的效果就已出来了——这并不是很简单；

　　再次，藏笔墨于范式。他所有的作品都套进了这样的范式，他把笔墨也藏进范式里面：在那几块大的浓厚支架后面、中间有很多黑、白、灰层次，有画鸟羽毛的，有画石头的，淡墨非常漂亮，非常透明，很美；

　　最后，人格化于生灵。他画的很多东西都人格化了，如鸟、熊、青蛙甚至花，给人感受很深。

　　最后，中国美协副主席、广东画院院长、广东省美协主席许钦松做总结发言，他说：“尚涛老师热爱生活，真诚地对待自己的艺术，几十年来默默地在艺术这方净土里做学问，不断琢磨，锲而不舍。与之相比，现在很多画家(特别是年轻画家)忙于应酬，急于求名，缺少尚涛老师这种虔诚精神。因此，尚涛这种精神是我们的榜样，我提倡在美术界弘扬这种精神。另外，尚涛品位很高，而这种品位是凝聚在作品中的一种精神内核，它焕发出来的不只是图式的张力，更有一种雄壮的精神张力，值得我们学习。”